Grecia. El estilo arcaico y el arte en las cortes de los tiranos

Hacia el 700 AC, cuando en Grecia las formas de vida campesinas comienzan a transformarse en formas de vida ciudadanas, se disuelve el geometrismo y surge un estilo arcaico que es una síntesis de Oriente y Occidente.

Un arte que aún está ligado a una serie de principios formales abstractos como:

• la frontalidad
• la simetría
• forma cúbica
• ley de "los cuatro puntos de vista fundamentales"

Por ello apenas se puede hablar hasta comienzos del clasicismo, de una superación definitiva del estilo geométrico.

En Oriente era clara la supremacía del elemento jónico:

• refinamiento
• formalismo
• virtuosismo
• la mujer es el tema principal
• el ideal artístico culmina en el arte de las cortes de los tiranos

Los artistas arcaicos nunca representaron a la mujer desnuda. Buscaron los efectos plásticos del cuerpo que se dibuja bajo el vestido.

El arte arcaico de los siglos VII y VI corresponde a la nobleza, muy rica y dueña por completo del aparato estatal, pero amenazada ya en su predominio político y económico.

En la poesía encontramos a Solón, Píndaro, Tirteo, etc.

Son educadores y guías espirituales.

Su misión es mantener despierta en la nobleza la conciencia del peligro y evocar los recuerdos de su grandeza.

Se da el paso hacia el literato de profesión.

Simónides, por ejemplo, escribe poemas por encargo.

Los sofistas ofrecerán en venta sus argumentos.

Se produce una división del trabajo entre cantores y poetas.

En la escultura, nos encontramos con un estilo aristocrático, heroico y altivo.

• Ideal varonil agonal (combatientes, atléticos): los "apolos"

La primera estatua de vencedor fue erigida en el 536 AC

Las estatuas de los atletas:

• No buscaban el parecido
• Retratos ideales que únicamente parecen haber servido para mantener el recuerdo de la victoria y hacer propaganda de los juegos
• El artista ni siquiera ha visto al vencedor

En tiempos posteriores, los atletas que lograban conseguir su tercera victoria, tenían el derecho a que sus estatuas guardaran un parecido con ellos mismos.

Al desarrollarse las formas de vida urbanas, intensificarse las relaciones comerciales e imponerse la idea de la competencia, la concepción individualista se impone en todos los campos de la vida cultural.

Ahí surgen:

• la idea de la propiedad intelectual
• el subjetivismo se impone en la poesía
• el poeta pretende ser reconocido como autor
• aparecen las primeras obras firmadas en las artes plásticas (el vaso de "Aristónoo", es la más antigua obra de arte firmada que existe).

Esta tendencia tuvo fuertes resistencias, especialmente en el ámbito cultural dórico porque la aristocracia es antiindvidualista y funda sus privilegios en cualidades comunes de clase o a la estirpe, y la nobleza agraria ha perdido los antiguos ideales heroicos y la economía monetaria y mercantil representa más un peligro que una oportunidad.

La victoria de la tiranía a fines del siglo VII significa:

• la victoria del individualismo sobre la ideología de casta.
• la transición a la democracia.
• liberalismo económico y mecenazgo artístico para "hacer olvidar" la ilegitimidad de su poder.

Significado del arte:

• un medio de adquirir gloria
• instrumento de propaganda
• "opio" para aturdir a sus súbditos

Las cortes de los tiranos fueron los centros culturales más importantes y los mayores depósitos de colecciones artísticas.

Poetas a su servicio: Baquílides, Píndaro, Epimarco, Esquilo, Anacreonte, etc.

Características

• a pesar de ser realizado en las cortes, no es marcadamente cortesano
• espíritu racionalista e individual no permite que aparezcan formas solemnes y rígidas.
• insignificancia de los rasgos religiosos
• reproducir con la mayor perfección posible el cuerpo humano
• el arte ya no al servicio de la religión.

El artista ya no está bajo la tutela de los sacerdotes. sus patronos son ahora las ciudades, los tiranos y particulares ricos.

Idea nueva de arte: el arte no es un medio para un fin, sino que es un fin y un objetivo en sí mismo. Nace "el arte por el arte" y por la belleza.

En los siglos VII y VI AC los griegos de Jonia crearon las primeras obras de un arte "puro". Posiblemente lo que ocurrió fue que se impuso una tendencia cuyos comienzos son tan antiguos como el arte mismo.

La poesía en la Grecia heroica

Cuando aún existía la organización en clanes, quienes se encargaban de las artes plásticas y la realización de poemas eran quienes no servían para la guerra.

En las artes plásticas corresponden a este período aquellos fetiches, piedras y troncos de árboles que se limitaban a dar una insinuación mínima de la figura humana, que apenas pueden llamarse esculturas.

Los poetas y recitadores eran cronistas pertenecientes a las clases dominantes.

Constituían un arte primitivo comunitario y una expresión artística todavía muy tosca.

Al iniciarse la edad heroica, la función social de la poesía y la situación social del poeta cambian radicalmente. La descomposición de la comunidad tribal hacia una organización que descansa en la fidelidad personal genera una serie de cambios.

El poeta sale del anonimato y de la inaccesibilidad del estado sacerdotal pero la poesía pierde su carácter ritual colectivo. Ya no cumple la función de incitar a la lucha, sino de entretener a los héroes después de pasada la batalla, de aclamarlos, ensalzar su nombre y eternizar su gloria.
Al perder su naturaleza ritual, los poemas pierden su carácter lírico y se hacen épicos.
El noble aficionado es sustituido por poetas y cantores cortesanos -los "bardos"- que presentan los cantos heroicos en forma más artística.
La producción poética, que adquirió una forma más personal al separarse de los poetas-sacerdotes muestra, de todas formas una tendencia colectivista en las epopeyas.

La organización del trabajo artístico:

El bardo, cantaba en los salones reales para los nobles.
El rapsoda, recitaba en los palacios y en las casas señoriales pero también en las fiestas populares y en las ferias.

A medida que la poesía se vuelve más popular, la recitación se hace cada vez menos estilizada y se acerca más al lenguaje cotidiano. El cayado (el báculo) y la recitación sustituyen a la lira y el canto.
Los rapsodas formaban una clase profesional cerrada. Eran literatos muy especializdos, formados en antiguas tradiciones, que nada tenían que vre con lo que llamamos "poesía popular".
En "La Odisea", los poemas no están dirigidos a la nobleza militar terrateniente sino a una aristocracia ciudadana y no belicosa.
Una poesía más de pueblo y que se mueve en el mundo campesino es la poesía hesiódica, no por la forma de trasmisión sino por su temática. La obra de Hesíodo es la primera expresión poética de una tensión social, de un antagonismo de clases.

El arte cretense

Pese a que no se encuentran circunstancias económicas ni sociales distintas de su mundo circundante, el arte cretense presenta un arte colorido, irrefrenable y alegre.

Tal vez la diferencia esté en parte en el papel relativamente subordinado que tenía la religión en la vida pública cretense.
No se han encontrado construcciones de templos ni estatuas monumentales de dioses.
Es un arte que parece más libre estilísticamente y más amante de la naturaleza.
Otros historiadores interpretan que el arte cretense no es que sea más naturalista que el arte egipcio pero sí produce una impresión de mayor naturalidad, no tanto por los medios utilizados sino por la osadía en la elección de los temas, ya que hay una renuncia a la solemnidad representativa y una preferencia por lo profano y lo episódico.

La disposición de los elementos de la composición es más libre, "casual".
También tiene sus convencionalismos antinaturalistas y sus formas abstractas:

• descuida la perspectiva
• ausencia de sombras
• las formas de la figura humana se pintan más estilizadas que las de los animales

El arte cretense pasó de una etapa completamente geométrica (influida quizás por el Neolítico) pasando por un naturalismo extremo hasta una estilización "poco académica".

Esa pérdida de "frescura y naturalidad" algunos investigadores la atribuyen a la influencia de tribus helénicas, y otros la relacionan a la actividad artística a escala industrial y con su producción masiva para la exportación.

Mesopotamia - El arte babilónico

A pesar de la existencia de una economía basada predominantemente en el comercio y la industria, la moneda y el crédito, el arte tiene un carácter más disciplinado, invariable y menos dinámico que el arte egipcio.

Esta mayor rigidez formal del arte babilónico, que existe junto a una economía más ágil y más directamente ligada a la vida urbana, se opone a la tesis sociológica que dice que el estilo rígidamente geométrico está relacionado a una agricultura tradicionalista,y el naturalismo a una economía urbana más dinámica.

En Mespotamia el oficio artístico era aún más impersonal que en Egipto, y entre arte y artesanía no había una distinción ni terminológica ni práctica.
El Código de Hammurabi menciona a los arquitectos y escultores al lado de los herreros y zapateros.

Características:
- La figura humana en estricta frontalidad, con la cabeza en franca vista lateral.
- Las partes caractísticas del rostro -nariz y ojo- se presentan considerablemente aumentadas, así como la frente y la barbilla.


Este principio antinaturalista de la frontalidad se ve claramente en los llamados Guardianes de la Puerta, los leones y toros alados de la escultura arquitectónica asiria. 

La situación del artista y la organización del trabajo artístico en Egipto

Durante mucho tiempo, los únicos sostenedores ("sponsors", se diría hoy) de los artistas fueron los sacerdotes y los príncipes.

Los artistas, que trabajaban en talleres, eran empleados libres o forzados, como jornaleros o esclavos, que tuvieron como sus primeros clientes regulares de obras de arte a los sacerdotes.

Al principio sus creaciones consistían, en su mayor parte, en ofrendas a los dioses; y en monumentos reales, en accesorios para el culto a dioses o al monarca, en instrumentos de propaganda que servían o a la fama de los inmortales o a la fama póstuma de sus representantes.

El estamento sacerdotal y la casa real formaban parte del mismo sistema hierático.
Exigían imágenes solemnes, súblimes, estilizadas, y pretendían prevenir innovaciones artísticas así como reformas de cualquier clase, pues temían toda modificación del orden de cosas existente y declaraban las reglas tradicionales del arte tan sagradas e intangibles como el credo religioso tradicional y las formas heredadas del culto.

Cada uno de ellos buscaba en el artista un aliado para la lucha por el mantenimiento del poder.

No podía darse un arte autónomo, creado por motivos y con fines puramente estéticos.
De hecho, los pintores y escultores en Egipto seguían siendo anónimos artesanos.
Se conocen nombres de arquitectos y esculltores a los que les fueron conferidos, como si fuesen altos funcionarios del Estado, honores sociales, pero, en conjunto, el artista sigue siendo un artesano innominado. 

El arte de los períodos más antiguos es menos "arcaico" y estilizado que el de los posteriores períodos.
Es en el Imperio Medio cuando se desarrollan los rígidos convencionalismos del arte cortesano-religioso, que no dejan surgir ninguna forma expresiva espontánea.

Principios rectores:

• idea de un orden superior, supraindivisual y social
• formas estáticas y convencionales
• la autoestilización de la clase alta exige que no se permita ser retratada como realmente es sino como tienen que aparecer de acuerdo con ciertos sagrados modelos tradicionales, alejados de la realidad y el presente.

En el Imperio Antiguo:

En el retrato, el KA, esto es, el espíritu protector del muerto, debía encontrar de nuevo, en su verdadera figura fiel a la realidad, el cuerpo en el que antaño habitó. El naturalismo de los retratos tiene su explicación sobre todo en ese propósito mágico-religioso.

En el Imperio Medio:

El rpósito de la representación tiene preponderancia sobre la significación religiosa. Por eso los retratos pierden su carácter mágico y con él su carácter naturalista. No hay un retrato del rey sino un monumento del rey: su expresión ideal.

En ninguna otra época de la historia del arte se ve tan claramente como aquí, que la elección entre naturalismo y arte abstracto es una cuestión de INTENCIÓN y no DE APTITUD.

Lo que tenemos entonces en una "imagen conceptual", con el racionalismo como el rasgo carcterístico de su técnica:

• Renuncia a la perspectiva, a los escorzos y a las intersecciones.
• Renuncia al ilusionismo naturalista
• El principio dominante es el principio de la frontalidad.

Principio de frontalidad:

• La figura, en cualquier posición, muestra al observador toda la superficie toráxica, de manera que el talle se puede dividir con una línea vertical en dos mitades iguales.
• Las piernas de una figura deben ser dibujadas siempre de perfil, y ambas deben ser vistas desde la perspectiva de la cara interna, es decir, desde el dedo gordo.
• la pierna que se adelante y el brazo que se extienda deben ser lo más alejados del observador.
• la parte derecha de la figura representada es siempre la que está vuelta al observador.

Estas reglas fueron observadas estrictamente por el sacerdocio y la corte, por el feudalismo y la burocracia del Imperio Medio.

Las condiciones sociales no cambian hasta el Imperio Nuevo que surge de las revueltas tras la invasión de los hicsos, donde Egipto queda aislado y encerrado en sí mismo.

Amenofis IV -Ekhenaton-, creador de una religión (idea de monoteismo) fue el primer innovador consciente del arte. Él es el primer hombre que hace del naturalismo un programa consciente y lo opone al estilo arcaico.

Características:

• Actitud dinámica que se complace en los descubrimientos
• Se pretende describir una íntima vida espiritual, individual
• Intento de perspectiva en los dibujos
• Mayor coherencia en la composición de grupos
• Interés más vivo por el paisaje
• Preferencia por la pintura de escenas y acontecimientos diarios
• Rechazo al viejo estilo monumental
• A pesar de todas las innovaciones, sigue siendo cortesano, ceremonioso y formal.

Siguen vigentes:

• el principio de frontalidad
• la técnica del "acabamiento"
• las proporciones de acuerdo al rango
• las reglas de la corrección formal

La escultura es todavía un ARTE SEÑORIAL.

Al soberano ya no se lo pinta como un dios pero todavía está sujeto a la etiqueta de la Corte, aunque las manos y los pies estén dibujados con mayor corrección anatómica y las articulaciones se muevan con más naturalidad.

En la época del Imperio Nuevo los medios expresivos del naturalismo son tan ricos y sutiles que deben tener tras de sí un largo pasado de preparación y perfeccionamiento.

¿De dónde provienen?

El naturalismo había sido una corriente subterránea latente en el arte egipcio.

El egiptólogo W. Spiegelberg aisla esta corriente del resto de la actividad artística y la llama "arte popular" egipcio pero no se poseen evidencias de que haya existido como arte paralelo en forma independiente. Según Hauser la fisura que existe no se abre en dos caminos del arte egipcio sino que está presente en las obras mismas.

Los miembros de la clase señorial son retratados siempre con el estilo cortesano representativo, mientras que los de la clase inferior son a menudo retratados con el estilo naturalista vulgar. Los dos estilos no se diferencian por la conciencia del artista o del público, sino por la naturaleza del tema que se quiere representar.

El arte en el paleolítico y el neolítico

Arnold Hauser, en su "Historia social de la literatura y el arte" (Vol I. Editorial Guadarrama, 1980) aclara que no existe paralelismo alguno entre el arte prehistórico y el arte infantil o el arte de las razas primitivas actuales, ya que éstas últimas son racionales, no sensoriales.

Los dibujos naturalistas del paleolítico ofrecen la impresión visual de una manera directa y pura, libre de añadidos o restricciones intelectuales. Esta capacidad desaparece en el Neolítico porque el hombre sustituye la inmediatez de las sensaciones por el estatismo de los conceptos.

En el paleolítico los cazadores primitivos tenían que recoger o capturar su alimento y no creárselo por sí mismos, entonces el arte tenía una función pragmática: era el medio utilizado para una técnica mágica. El arte era la "trampa" y también la satisfacción del deseo -el animal capturado- a la vez.
Se podría decir entonces que la representación pictórica era la anticipación del efecto deseado. Es decir, no tenía una función simbólica sino una acción objetivamente real.

Esta teoría -del arte como respuesta a un fin práctico- es opuesta a otra que plantea el surgimiento del arte como un pasatiempo análogo al juego, la teoría "del arte por el arte".


Para Hauser, la explicación del arte paleolítico como una forma expresiva u ornamental es insostenible porque las pinturas están ubicadas en lugares inaccesibles y oscuros, y el hecho de la superposición de pinturas indica que se trataba de lugares convenientes para realizar la magia, no un acto artístico.

Es probable que el arte figurado haya sido concebido al principio en forma desinteresada y que, una vez concebido y realizado -quizás hasta por su propio acto creador- haya sido susceptible de ser considerado como poseedor de un uso mágico.

Es justamente la relación de la pintura paleolítica con la magia la que nos ayuda a explicar el naturalismo de este arte: la representación cuyo fin era crear un doble del modelo no podía ser sino naturalista.`

H. Breuil concluye "Si el arte por el arte no hubiese nacido, el arte mágico o religioso no habría existido nunca. Por otro lado, si las ideas mágicas no hubiesen permitido incluir en las más graves preocupaciones de la vida real al arte nacido por sí mismo, éste último, demasiado débilmente ligado a las ocupaciones esenciales de la vida cotidiana, habría corrido el riesgo de permanecer embrionario".

Para Antoine Bon (Introducción general a la historia del arte. Librería Hachette, Bs. As. 1947), las figuras están distribuidas sin una noción de la perspectiva.

La pintura paleolítica es realista pero no es una reproducción total de los elementos del modelo, sino por la elección -consciente o no- de algunos elementos juzgados como indispensables.

El artista no sólo dibuja los detalles visibles desde su ángulo de encuadre, sino también otros que le parecen necesarios, aunque no sean visibles más que para un observador colocado en otra parte (realismo intelectual).

En el neolítico, la actitud naturalista se transforma en una intención artística geométricamente estilizada.

El arte tiende ahora a fijar la idea, el concepto. Los hombres comienzan a crear símbolos en lugar de imágenes similares a la realidad.

Este cambio en el arte es parte de un cambio revolucionario y decisivo en la cultura, que consiste en que, en vez de recolectar o capturar su alimento, el hombre lo produce.

El hombre más o menos se independiza del destino, del azar o la casualidad.
Posee una tierra que rotura, animales que aprende a domesticar, crea herramientas, tiene provisiones alimenticias. La sociedad comienza a diferenciarse en estratos y clases y se comienza a dar una organización del trabajo.

A partir de estos cambios en el modo de vida se producen otros cambios:
- los ritos y cultos sustituyen a la magia y a la hechicería
- surge la idea de toda clase de demonios y espíritus benéficos y maléficos
- la adoración de los espíritus, la fe en las almas y el culto a los muertos (animismo) genera también la necesidad de ídolos, amuletos, símbolos sagrados, etc.
- el animismo divide el mundo en realidad y suprarrealidad.


En resumen:

La magia del Paleolítico

• tiene una cosmovisión monista
• se adhiere a lo concreto
• tiene un pensamiento dirigido a la vida de este mundo

El animismo del Neolítico

• tiene una cosmovisión dualista
• se inclina a la abstracción
• tiene un pensamiento dirigido a la vida del más allá.

Dos factores determinan el cambio de estilo:

1. El paso de una economía parasitaria a una economía constructiva y productora.

2. La sustitución de la imagen monística del mundo por el sentimiento dualístico de la vida.

En el neolítico el arte es animista.

El animista representa la realidad, no como la imagen de una esencia homogénea, sino como la confrontación entre dos mundos.

El estilo del arte neolítico es formalista, geométrico-ornamental, y está directamente relacionado a una organización severa y conservadora de la economía, a una forma autocrática de gobierno y a una perspectiva hierática de la sociedad, impregnada del culto y la religión. 

Fue con los creadores de las pinturas de animales hechas en el paleolítico con la mencionada finalidad mágica que se dio la primera especialización y división del trabajo.

Porque estos "artistas-magos", dotados de poderes y reverenciados como hechiceros, quedaron liberados de la obligación de buscar el alimento.

Esta liberación habla incluso de la relativa mejoría de las condiciones vitales, y significa que el grupo puede permitirse ya el lujo de la existencia de "ociosos". 

Es entonces cuando se da la separación entre arte sagrado y arte profano.

El arte sagrado es realizado exclusivamente por magos-sacerdotes, y el arte profano queda limitado a la artesanía de las mujeres y a la industria doméstica.

Según Hörnes, "ese estilo geométrico es, ante todo, un estilo femenino; tiene un carácter femenino y lleva al mismo tiempo la huella de la disciplina y la domesticación". Se realiza un reparto de funciones por sexo pero no constituye una "clase artística".

Será con el comienzo del comercio, la formación de ciudades y mercados, el crecimiento de la población y la creciente división del trabajo que los creadores de imágenes de espíritus, dioses y hombres, de utensilios decorativos, abandone el ámbito del trabajo doméstico y pase a ser un especialista que viva de su oficio: el artesano.

El impacto de la invasión islámica en Occidente. Siglo IX. El inicio de la Europa medieval.

Occidente, a lo largo de toda su historia, había recibido su civilización siempre de Oriente a través de los fenicios, los griegos y los romanos. De alguna manera había vivido siempre gracias al Mediterráneo, y ahora, por primera vez, estaba obligado a vivir de sus propios recursos.
Fue en ese momento que el Imperio franco va a sentar las bases de la Europa medieval. Y según el historiador Henri Pirenne, sin el Islam el Imperio Franco nunca hubiese existido, así como Carlomagno resulta inconcebible sin Mahoma.

Carlomagno, al tomar el título de emperador romano y de Augusto creyendo reanudar la tradición antigua romana, en realidad la rompió. El antiguo imperio, reducido a las posesiones de Constantinopla, se convierte en un imperio oriental yuxtapuesto y ajeno al nuevo Imperio de Occidente. Es un imperio esencialmente continental, un estado cerrado en una situación de aislamiento casi completa.

Desde mediados del siglo VII se observa el declive del comercio marsellés a medida que los musulmanes avanzan sobre el Mediterráneo. Sus flotas y flotas de piratas arrasan las costas, saquean e incendian ciudades y capturan a sus habitantes para venderlos como esclavos.
La desvastación en algunos lugares fue tan completa que en muchos lugares llegó incluso a desaparecer la población. El carácter continental del imperio franco era tal que quedó demostrado en su incapacidad para organizar la defensa de sus costas contra los sarracenos como contra los normandos: el imperio no tenía defensa naval ni poseía flotas, o las que tenía eran improvisadas.

El comercio en la época carolingia se reduce a poca cosa. Monopolizado casi exclusivamente por judíos, queda reducido al transporte de toneles de vino o sal, y al tráfico prohibido de esclavos y baratijas.

Una señal clara de la decadencia del comercio está dada por la reforma monetaria